제가 운영하는 유튜브 클래식 채널 <힐링 클래식 갤러리>에 나오는 음악들과 명화에 대한 소개를 드리고자합니다.
음악에 얽힌 이야기와 작곡가에 대한 이야기 그리고 배경으로 나오는 많은 명화와 작가에 대한 이야기입니다.
이번 영상에서는 Frédéric Chopin 프레데리크 쇼팽(1810 -1849)의 곡들을 골라봤는데요
아마 한번쯤은 들어보신적이 있을 정도로 친숙한 곡들로 구성해보았습니다.
1. 쇼팽 - Nocturne in C sharp minor 'Lento con gran espressione', B. 49 (Op. posth.) 3:45
2. 쇼팽 - Waltz in A flat major 'Farewell', Op. 69 no. 1 4:08
3. 쇼팽 - Etude Op. 10, no. 3 in E major - 'Tristesse' 4:35 이별의노래
4. 쇼팽 - Nocturne in E flat major, Op. 55 no. 2 5:30
5. 쇼팽 - Polonaise in A flat major, B. 5 4:54
첫 번째 트랙인 Nocturne in C sharp minor 'Lento con gran espressione', B. 49 (Op. posth.)은 그의 사후에 출간된 곡으로 굉장히 아름다운 곡중 하나입니다.
녹턴(nocturne)이라는 명칭은 18세기 유럽에서 귀족들의 저녁 파티에 주로 연주하던 곡으로 주로 피아노 독주 내지는 작은 실내악 편성으로 연주되었습니다. 고요하고 낭만적인 밤에 어울리는 감성적이며 조용하고 달콤한 선율을 사용하는 피아노 소품으로 이러한 이유로 야상곡(夜想曲)이란 이름이 붙었다고 합니다.
아일랜드 출신 작곡가 존 필드가 최초로 야상곡을 작곡했습니만, 가장 유명하고 널리 알려진 야상곡 작곡가는 21개의 야상곡을 작곡한 쇼팽입니다. 쇼팽은 스스로 자신의 녹턴에 대하여 ‘피아노로 부르는 노래’라고 지칭했을 만큼 내면의 다양한 감정을 녹턴 속에 녹여냈습니다.
녹턴 20번 다단조 Op . 포스트. , Lento con gran espressione 은 프레데리크 쇼팽 이 1830년에 작곡 하고 1875년에 출판된 피아노 독주곡입니다. 이 곡은 쇼팽의 청년기 시절 작품이지만 그의 사후에야 발견되었는데 그 악보에는 'Lento con gran espressione(느리고 풍부한 표정으로)'로 표기되어 있었으나 나중에 'Nocturne'이라고 이름 붙은 것이라고 합니다. 때로는 회상(Reminiscence) 이라고도 합니다. 이 곡의 중간 부분 멜로디는 쇼팽의 피아노 협주곡 제2번(Op.21) 1악장의 일부 멜로디를 차용한 선율이 사용됩니다.
쇼팽은 "나의 두 번째 협주곡 연습을 시작하기 전에 연습으로 내 누이 루드비카에게"라는 문구와 함께 이 작품을 그의 누나 루드비카 쇼팽에게 헌정했습니다.
쇼팽이 빈에 도착한 뒤 2주 후 폴란드에선 러시아 지배에서 벗어나기 위한 '11월 봉기'가 일어나고 이 곡을 누나에게 보낸 시점은 빈에는 도착했지만 미처 11월 봉기 소식을 접하지 못한 때라고 합니다. 1849년 봄 건강이 악화되자 쇼팽은 누나에게 파리로 와 달라고 편지를 쓰고 그 해 8월 프랑스로 건너온 루드 비키는 10월 17일 쇼팽이 숨질 때까지 동생의 곁을 지켰으며 다음날 부검 과정에서 따로 떼어낸 쇼팽의 심장은 누나 루드비카의 손에 들려 폴란드로 운반되었습니다. 음악과 예술에 조예가 깊었던 누나 루드비카는 쇼팽의 임종을 지켜본 유일한 가족이었습니다. 이곡의 악보는 쇼팽 사후에 발견되어 유작으로 출판되었습니다.
영화 피아니스트에서 유명한 유대계 피아니스트 블라디슬로프 스필만이 한 인기 라디오 프로그램에서 쇼팽의 야상곡을 연주하다 폭격을 당하는 장면이 있었죠. 해당 영화 장면에서 스필만은 쇼팽의 발라드 1번 g단조 Op의 요약 버전을 연주했습니다.
두번째 곡인 Waltz in A flat major 'Farewell', Op. 69 no. 1는 부제로 "Valse de l'adieu" (이별의 왈츠)라고 불리기도합니다.
쇼팽의 왈츠는 유행하던 요한 슈트라우스(Johann Strauss)의 빈 스타일의 화려하고 우아한 왈츠가 아닌 슬라브 특유의 서정적인 독특한 스타일이었습니다. 슈만은 이를 백작부인의 왈츠라고 평했는데 쇼팽의 왈츠는 춤을 추기에는 애매하지만, 다채롭고, 화려했기때문입니다
1829년 작곡된 Waltz no.10 in B minor op.69 no.2와 1835년 작곡된 Waltz in A-flat major, Op. 69, No. 1은 쇼팽 사후인 1855년 묶음으로 유작(posth) 출판되었습니다.
쇼팽이 사랑했던 여인 Maria Wodzińska(마리아 보딘스카)에게 헌정한 Op. 69, No.1은 서로 사랑했지만 병약했던 쇼팽의 건강때문에 보딘스카 집안의 반대로 이루어질수 없었다고합니다. 그래서 보딘스카는 이곡을 소중히 간직했다고 합니다. 후에 이별의 왈츠(Valse de l'adieu)라고 이름 지어진 이곡은 쇼팽이 이곡을 발표하지 않은채 그녀의 편지들과 함께 평생 간직했던 곡입니다. 이곡의 부제인 이별의 왈츠(Valse de l'adieu)와는 관계없이 감미롭고 서정적인 곡입니다.
세번째 곡인 Etude Op. 10, no. 3 in E major 는 부제가 'Tristesse' (이별의 곡)입니다.
우리나라에선 이별의 노래로 많이 알려져 있는데, 부제는 ‘Tristesse’ 이게 불어로는 ‘슬픔’이란 의미라고 합니다.
이 곡에서 말하는 이별의 의미는 사랑하는 연인에 대한 이별뿐 아니라 폴란드 조국에 대한 슬픔이 담긴 의미도 크다고 합니다.
쇼팽은 끝내 조국으로 돌아가지 못해, 프랑스에서 생을 마감하고 심장만 폴란드에 묻혔다고 해요
쇼팽의 연습곡 Op. 10, 3번(Étude Op. 10, No. 3)은 프레데리크 쇼팽이 1832년에 작곡한 곡으로 이듬해인 1833년에 프랑스, 독일과 영국 등지에서 출판되었습니다. 이 곡을 작곡하며 쇼팽 자신은 "이토록 감미로운 멜로디는 내 생애 처음이다"라는 말을 남겼다고합니다. 이별의 곡으로도 널리 알려져 있으며 쇼팽의 연습곡 27개 중 느린 멜로디를 가진 몇 안되는 곡입니다. 따라서 느린 만큼 곡에 깃들어 있는 감정이 매우 풍부하며 화성과 레가토 기법이 두드러지게 사용되었다고하네요. 이 곡도 다른 쇼팽의 연습곡처럼 A-B-A의 세도막 형식을 띠고있습니다.
Etude Op. 10, no. 3 은 쇼팽이 불과 22세였던 1832년에서 1833년 사이에 프랑스에 머무는 동안 작곡한 것입니다. 이 시기는 젊은 작곡가의 창의력이 왕성한 시기였으며, 그 결과 이 작품과 같이 시대를 초월한 작품이 탄생하게 되었습니다. 이 연습곡은 강렬한 감성과 기술적 혁신으로 유럽과 전 세계 음악계에서 빠르게 인정을 받았으며 피아노 음악에 새로운 방향을 제시했으며 쇼팽의 급성장하는 명성에 크게 기여했습니다.
부제인 "Tristesse"(프랑스어로 "슬픔"을 의미)라는 제목은 쇼팽이 직접 붙인 것이 아니라 이 쇼팽의 신랄하고 우울한 멜로디에 깊은 감동을 받은 이후의 청취자와 해석자들이 붙인 것입니다. "Tristesse"는 연주자의 정확성과 감정적 깊이를 모두 요구하는 기술적으로 까다로운 작품입니다. 이 작품은 복잡한 반주 위에 우아하고 서정적인 멜로디가 특징이며, 피아노 질감과 보이싱에 대한 쇼팽의 혁신적인 접근 방식을 보여줍니다. 화성적으로 독창적인 반주 패턴과 장식의 사용은 모두 쇼팽의 독특한 피아노 스타일의 특징입니다.
네번째 곡인 Nocturne in E flat major, Op. 55 no. 2
녹턴 , Op. 55번은 프레데릭 쇼팽 이 작곡한 솔로 피아노를 위한 두 개의 야상곡 세트로 이번곡은 no.2 입니다 . 이 작품은 이 장르에서 그의 15번째와 16번째 설치 작품으로, 1842년에서 1844년 사이에 작곡되었으며 1844년 8월에 출판되었습니다. 쇼팽은 이 작품을 그의 제자이자 존경하는 마드모아 젤 제인 스털링(Mademoiselle Jane Stirling) 에게 헌정했습니다.
쇼팽의 전기 작가인 Frederick Niecks 는 이 작품을 다음과 같이 묘사했습니다 . "우리는 첫 번째와 마지막 부분의 연약한 돌체차와 보다 열정적인 중간 부분의 열등함에만 주목할 것입니다."
다섯번째 곡인 Polonaise in A flat major, B. 5 는
영웅 폴로네이즈(Heroic Polonaise)로 유명한 Polonaise In A Flat Major, Op.53 이 작품은 그의 스승인 Wojciech Żywny (1756-1842) 에게 헌정되었으며 일반적으로 B.5라고 불립니다. 이 작품은 1901년 처음 출판되었습니다.
'폴란드의'라는 뜻을 가진 폴로네이즈는 4분의 3박자의 폴란드 민속 춤곡입니다. 이는 일정하게 등장하는 리드미컬한 박자 위에서 단순한 선율을 노래하는 것이 특징인 장르로, 쇼팽은 고국인 폴란드의 안타까운 운명에 대한 슬픔과 애국심을 담아 폴로네이즈를 예술 작품의 영역으로 크게 발전시켰습니다
절친이었던 리스트는 쇼팽의 폴로네즈에 대해 "쇼팽의 폴로네즈를 들으면 운명이 가져다주는 온갖 부정한 것에 용감하고 대담하게 대항하는 확고한 발자국 소리를 듣는 것 같다"라며 극찬했다고 합니다.
명화에 대한이야기
영상에 나온 명화중 유명한 아티스트 위주로 이야기하겠습니다.
1. Eugene Louis Boudin
외젠 루이 부댕 ( Eugène Louis Boudin , 프랑스어: [øʒɛn lwi budɛ̃] , 1824년 7월 12일 – 1898년 8월 8일)은 야외 그림을 그린 최초의 프랑스 풍경화가 중 한 명입니다. 부댕은 해양 화가였으며 바다와 해안을 따라 이동하는 모든 것을 그리는 전문가였습니다. 요약적이고 경제적인 그의 파스텔은 보들레르 의 훌륭한 찬사를 얻었습니다. 그리고 코로는 그를 "하늘의 왕" 이라고 불렀습니다.
옹플뢰르( Honfleur) 에서 태어난 부댕은 항만 조종사의 아들로 태어났으며, 10세 때 르아브르 (Le Havre) 와 옹플뢰르(Honfleur ) 사이를 운행하는 증기선에서 일했습니다 . 1835년에 가족은 르아브르(Le Havre)로 이사했고, 그곳에서 Boudin의 아버지는 문구류와 액자 가게를 열었습니다.
부댕은 지역에서 활동하는 예술가들인 장바티스트 이자베( Jean-Baptiste Isabey) , 토마스 쿠튀르 ( Thomas Couture) 등과 접촉하게 되었고 이들은 젊은 Boudin이 예술적인 경력을 쌓도록 격려했습니다. 22세에 그는 상업의 세계를 버리고 전업으로 그림을 그리기 시작했으며 이듬해 파리로 여행을 떠났고 이후 플랑드르를 거쳐 여행했습니다 . 1850년에 그는 장학금을 받아 파리로 이주하여 Eugène Isabey 의 스튜디오에 학생으로 등록 하고 루브르 박물관에서 필사자로 일했습니다. 수입을 보충하기 위해 그는 종종 노르망디 로 돌아와 그림을 그렸고 , 1855년부터는 브르타뉴 로 정기적으로 여행을 떠났습니다 . 1863년 1월 14일 그는 르아브르에서 28세의 브르타뉴 여성 마리-앤 게데스(Marie-Anne Guédès)와 결혼하여 파리에 집을 마련했습니다.
17세기 네덜란드 거장들로부터 깊은 영향을 받았고, 프랑스 미술계에서 이미 두각을 나타낸 네덜란드 화가 요한 용킨드(Johan Jongkind )를 만났을 때 부댕은 새로운 친구로부터 야외( en plein air ) 그림을 그리라는 조언을 받았습니다. 그는 또한 Troyon 및 Isabey와 함께 작업했으며 1859년 Gustave Courbet을 만나 그를 Charles Baudelaire 에게 소개했습니다. 그는 Boudin의 재능이 1859년 Paris Salon 에서 데뷔했을 때 대중의 관심을 끌었던 최초의 비평가였습니다 .
1857/58년에 부댕은 당시 18세였던 젊은 클로드 모네 와 친구가 되었고 그를 설득하여 10대 캐리커처 그림을 그만두고 풍경화가가 되었으며, 나중에 그에게 밝은 색상에 대한 사랑과 물 위의 빛의 유희를 심어주는 데 도움을 주었습니다. 모네의 인상주의 그림에서 볼 수 있듯이 두 사람은 평생 친구로 남았고 모네는 나중에 부댕의 초기 영향에 경의를 표했습니다. 부댕은 1873년 제1회 인상파 전시회 에서 모네와 그의 젊은 친구들과 합류했지만 결코 자신을 급진적이거나 혁신가라고 생각하지 않았습니다.
부댕과 모네는 둘 다 1870~71년 프랑스-프로이센 전쟁 동안 해외에서 살았고 , 부댕은 앤트워프에서, 모네는 런던에서 살았다. 1873년부터 1880년까지 부댕 가족은 보르도에 살았습니다. 그의 명성이 높아짐에 따라 그는 당시 벨기에, 네덜란드 및 프랑스 남부를 방문하는 등 광범위하게 여행할 수 있었습니다. 그는 계속해서 파리 살롱에 전시했으며, 1881년 파리 살롱에서 3위 메달을, 1889년 만국박람회에서 금메달을 받았습니다. 1892년에 부댕은 레지옹 도뇌르 (Légion d'honneur) 기사 작위를 받았는데 , 이는 그의 재능과 동시대 사람들의 예술에 대한 영향력을 다소 늦게 인정한 것입니다.
말년인 1889년 아내가 죽은 후, 부댕은 건강이 좋지 않아 피난처로 프랑스 남부에서 매년 겨울을 보냈고, 1892년부터 1895년까지 정기적으로 베니스를 여행했습니다. 1898년에 그는 자신의 인생이 거의 다 되었음을 깨닫고 도빌 에 있는 그의 집으로 돌아왔고, 8월 8일 영국 해협이 보이는 곳 과 그가 그토록 자주 그렸던 해협 하늘 아래에서 죽었습니다. 그는 자신의 뜻에 따라 파리 몽마르트르의 생뱅상 묘지에 묻혔습니다.
2. Alfred Sisley
Alfred Sisley (1839년 10월 30일 – 1899년 1월 29일)은 프랑스에서 태어나 대부분의 삶을 프랑스에서 보냈지만 영국 시민권을 유지한 인상파 풍경화 가였습니다 . 그는 야외 풍경 (즉, 야외) 을 그리는 데 헌신한 인상파 화가 중 가장 일관적이었습니다 . 그는 인물화 로 일탈한 경우가 거의 없었으며 르누아르 나 피사로 와는 달리 인상주의가 자신의 예술적 요구를 충족시킨다는 사실을 발견했습니다.
그의 중요한 작품 중에는 1874년에 제작된 Hampton Court 주변의 템스강 그림 시리즈 와 Moret-sur-Loing 또는 그 근처의의 장소를 묘사한 풍경화가 있습니다 . 이전 파리 교외 지역의 세느강과 다리를 그린 주목할만한 그림은 녹색, 분홍색, 보라색, 먼지가 많은 파란색 및 크림색의 옅은 색조로 평온함이 특징인 그의 풍경화 중 다수와 같습니다. 수년에 걸쳐 시슬리의 표현력과 색상의 강도는 더욱 높아졌습니다.
시슬리는 파리의 부유한 영국인 부모에게서 태어났습니다. 그의 아버지 William Sisley는 실크 사업에 종사했고 그의 어머니 Felicia Sell은 교양있는 음악 감정가였습니다.
1857년, 18세의 알프레드 시슬리(Alfred Sisley)는 경영학 공부를 위해 런던으로 파견되었으나 4년 만에 학업을 포기하고 1861년 파리로 돌아왔습니다. 1862년부터 그는 파리 에콜 데 보자르(Paris École des Beaux-Arts) 에서 공부했습니다. 스위스 예술가 Marc-Charles-Gabriel Gleyre 의 아뜰리에 에서 그는 Frédéric Bazille , Claude Monet 및 Pierre-Auguste Renoir 를 알게 되었습니다 . 그들은 햇빛의 일시적인 효과를 사실적으로 포착하기 위해 스튜디오가 아닌 야외 에서 함께 풍경을 그렸습니다 . 당시 혁신적인 이러한 접근 방식으로 인해 대중이 익숙하게 보았던 것보다 더 다채롭고 더 폭넓게 그려진 그림이 탄생했습니다. 결과적으로, 시슬리와 그의 친구들은 처음에는 그들의 작품을 전시하거나 판매할 기회가 거의 없었습니다. 그들의 작품은 대개 프랑스에서 가장 중요한 미술 전시회 인 살롱(Salon) 의 심사위원단에 의해 거부되었습니다 . 하지만 1860년대에 시슬리는 아버지로부터 용돈을 받았기 때문에 일부 동료 예술가들보다 재정적으로 더 나은 위치에 있었습니다.
1866년에 시슬리는 파리에 거주하는 브르타뉴 사람인 Eugénie Lescouezec (1834–1898, 일반적으로 Marie Lescouezec로 알려짐)과 관계를 시작했습니다. 그 부부는 아들 피에르(1867년 출생)와 딸 잔(1869년)이라는 두 자녀를 두었습니다. 당시 시슬리는 Avenue de Clichy와 많은 파리 화가들의 모임 장소인 Café Guerbois 에서 멀지 않은 곳에 살았습니다.
1868년 그의 그림은 살롱에 출품되었지만 그 전시회는 그에게 재정적으로나 비판적인 성공을 가져다주지 못했습니다. 후속 전시회도 마찬가지였습니다. 하지만 그의 그림은 그가 죽을 때까지 금전적 가치가 크게 오르지 않았기 때문에 남은 생애 동안 그는 가난하게 살았습니다. 그러나 때때로 시슬리는 후원자들의 후원을 받았고, 이로 인해 그는 무엇보다도 영국으로 몇 차례 짧은 여행을 떠날 수 있었습니다.
이들 중 첫 번째는 첫 번째 독립 인상파 전시회 이후인 1874년에 일어났습니다. 런던 남서부에서 몇 달을 보낸 결과 East Molesey 의 조석이 아닌 Thames 와 남쪽 은행이 Thames Ditton 이 되는 Hampton Court Bridge 아래에 있는 거의 20점에 달하는 일련의 그림이 탄생했습니다. 이는 나중에 미술사학자 Kenneth Clark 에 의해 "인상주의의 완벽한 순간"으로.설명되었습니다.
1880년까지 시슬리는 파리 서쪽 시골에서 살면서 일했습니다. 그런 다음 그와 그의 가족은 19세기 초에 바르비종파 의 화가들이 일했던 퐁텐블로 숲 과 가까운 모레 쉬르 루앙 근처의 작은 마을로 이사했습니다 . 여기서 미술사학자 앤 풀레(Anne Poulet) 가 말했듯이, “끊임없이 변화하는 분위기를 지닌 온화한 풍경은 그의 재능과 완벽하게 조화를 이루었습니다. 모네와 달리 그는 결코 날뛰는 바다의 드라마나 코트 다쥐르 의 찬란하게 채색된 풍경을 추구하지 않았습니다 . "
그는 이전 현대 화가 카미유 피사로(Camille Pissarro) 와 에두아르 마네(Edouard Manet) 의 스타일과 주제에서 영감을 받았습니다. 인상주의자들 사이에서 시슬리는 스타일과 주제 면에서 모네의 작품과 비슷하지만 시슬리의 영향은 더 차분합니다. 미술사학자 로버트 로젠블럼 은 "거의 일반적인 성격, 완벽한 인상주의 그림에 대한 비인격적인 교과서 아이디어"를 가지고 있다고 묘사했으며, 그의 작품은 분위기를 강하게 불러일으키며 그의 하늘은 항상 인상적입니다. 그는 다른 인상파 화가들보다 더욱 일관되게 풍경화에 집중했습니다.
시슬리의 가장 잘 알려진 작품 중에는 시카고 미술관 소유의 모레 거리(Street in Moret) 와 모래 더미(Sand Heaps) , 파리 오르세 미술관 에서 전시된 모레 쉬르 루앙(Moret-sur-Loing)의 다리(The Bridge at Moret-sur-Loing)가 있습니다.
3. Félix Brard
펠릭스 브라르(Félix Brard)는 파리의 도시 생활과 자연의 아름다움을 담은 프랑스 수채화가입니다. 펠릭스는 세속적인 화가들과 달리 제1차 세계 대전 중에도 파리의 거리, 광장, 공원, 시장 등을 찾아 시민들을 포착하며 파리의 역사와 일상을 그려냈어요. 수채화로 담긴 파리의 매력과 아름다움을 느껴보세요.
4. Camille Corot
Jean-Baptiste-Camille Corot (1796년 7월 16일 – 1875년 2월 22일) 또는 간단히 Camille Corot 은 프랑스의 풍경화 가이자 초상화 화가 이자 에칭 분야 의 판화가 였습니다. 풍경화의 중추적인 인물인 그의 방대한 작품은 신고전주의 전통을 참조하는 동시에 인상주의 의 외부 혁신을 예상했습니다.
Jean-Baptiste-Camille Corot는 1796년 7월 16일 파리의 현재 철거된 Rue du Bac 125번가에 있는 집에서 태어났습니다. 그의 가족은 부르주아 사람들이었습니다. 그의 아버지는 가발 제작자였고 그의 어머니 마리 프랑수아즈 코로(Mari-Françoise Corot)는 모자 제작자였습니다. 그의 예술가 동료들의 경험과는 달리 그는 평생 동안 그의 부모가 돈을 벌어주듯이 돈이 부족하다고 느낀 적이 없었습니다. 좋은 투자를 하고 사업을 잘 운영했습니다.
코로는 장학금을 받아 루앙의 피에르 코르네유(Lycée Pierre-Corneille) 에서 공부했으나 학업에 어려움을 겪은 뒤 떠나 기숙학교에 입학했다. 그는 "훌륭한 학생이 아니었고 학교 생활 전체를 통틀어 그림 수업에서도 단 한 번의 상 후보도 얻지 못했습니다." 초기부터 예술에 대한 재능과 성향을 보여준 많은 거장들과는 달리, 코로는 1815년 이전에는 그런 관심을 보이지 않았습니다. 그 기간 동안 그는 세네곤 가족과 함께 살았는데, 세네곤 가족의 가장은 코로 아버지의 친구였으며, 세네곤 가족은 젊은 코로와 함께 자연 산책에 많은 시간을 보냈습니다. 코로가 처음으로 자연을 그린 그림을 그린 곳이 바로 이 지역이었습니다. 19살에 코로는 "큰 아이였고, 수줍어하고 어색했다. 그는 말을 하면 얼굴이 붉어졌다. 어머니의 미용실을 자주 방문하는 아름다운 숙녀들 앞에서 그는 당황하고 야생동물처럼 달아났다... 감정적으로 그는 어머니를 사랑하고 아버지가 말씀하시면 몸을 떨던 다정하고 예의바른 아들." 1817년 코로의 부모가 새 집으로 이사했을 때, 21세의 코로는 3층의 지붕창이 있는 방으로 이사했는데, 이 방은 그의 첫 번째 스튜디오이기도 했습니다.
아버지의 도움으로 코로는 포목공의 견습생이 되었지만 상업 생활을 싫어했고 그가 "사업 수법"이라고 부르는 것을 경멸했습니다. 그러나 그는 아버지가 예술 직업을 받아들이는 데 동의한 26세가 될 때까지 무역에 충실했습니다. 나중에 Corot은 "나는 아버지에게 사업과 나는 단순히 양립할 수 없으며 이혼할 것이라고 말했습니다."라고 말했습니다. 그러나 비즈니스 경험은 직물의 색상과 질감에 대한 노출을 통해 미적 감각을 개발하는 데 도움이 되었다고합니다. 아마도 지루함 때문에 그는 1821년경 유화로 눈을 돌리고 풍경화를 그리기 시작했습니다. 1822년 여동생이 죽은 후부터 코로는 남은 생애 동안 새로운 경력, 스튜디오, 재료 및 여행에 충분한 자금을 조달할 수 있는 1,500프랑의 연간 수당을 받기 시작했습니다. 그는 즉시 볼테르 부두에 스튜디오를 임대했습니다.
코로가 예술에 전념할 수 있는 수단을 획득한 기간 동안 풍경화는 호황을 누리고 있었고 일반적으로 두 진영으로 나뉘었습니다. 그리고 성서적 인물들; 두 번째는 북유럽에서 흔히 볼 수 있는 사실적인 풍경으로 실제 지형, 건축, 식물에 충실했으며 농민의 모습을 자주 보여주었다. 두 가지 접근 방식 모두에서 조경 예술가는 일반적으로 야외 스케치와 예비 페인팅으로 시작하여 실내에서 마무리 작업을 수행합니다. 19세기 초 프랑스 풍경화가들에게 큰 영향을 미친 영국인 존 컨스터블 (John Constable) 과 JMW 터너(JMW Turner) 는 신고전주의에서 벗어나 사실주의를 선호하는 경향을 강화했습니다.
1821년에서 1822년 사이의 짧은 기간 동안 Corot은 화가 Jacques-Louis David 의 제자이자 이미 존경받는 교사였던 Corot 시대의 풍경화가 Achille Etna Michallon 과 함께 공부했습니다. Michallon은 Corot의 경력에 큰 영향을 미쳤습니다. 코로의 그림 수업에는 석판화 추적, 3차원 형태 복사, 특히 퐁텐블로 의 숲 , 노르망디의 항구, 빌다브레(그의 부모가 살던 파리 서쪽 마을) 등 야외에서 풍경 스케치와 그림을 그리는 일이 포함되었습니다. 시골집이 있었어요). 미샬롱은 또한 이론가 피에르 앙리 드 발렌시엔(Pierre-Henri de Valenciennes) 의 유명한 논문에서 옹호되고 프랑스 신고전주의 학자 클로드 로랭(Claude Lorrain) 과 니콜라 푸생(Nicolas Poussin) 의 작품에서 예시된 프랑스 신고전주의 전통의 원리를 그 에게 노출시켰습니다. 자연의 이상적인 아름다움은 고대의 사건과 연관되어 있습니다.
이 학교는 쇠퇴하고 있었지만 매 행사마다 수천 명이 참석하는 프랑스 최고의 미술 전시회인 살롱 에서 여전히 영향력을 행사했습니다. Corot은 나중에 다음과 같이 말했습니다. "나는 자연으로부터 나의 첫 풍경화를 만들었습니다... 이 화가의 눈 아래서, 그의 유일한 조언은 내가 본 모든 것을 가장 꼼꼼하게 표현하라는 것이었습니다. 그 교훈은 효과가 있었습니다. 그 이후로 나는 항상 정확성을 소중히 여겼습니다. " 1822년 미샬롱이 일찍 사망한 후, 코로는 프랑스에서 가장 잘 알려진 신고전주의 풍경화가 중 한 명인 미샬롱의 스승인 장- 빅터 베르탱(Jean-Victor Bertin) 과 함께 공부했는데 , 그는 코로에게 정확한 유기체 형태를 배우기 위해 식물 주제의 석판화 사본을 그리도록 했습니다. 신고전주의를 가장 높이 평가하면서도 코로는 상상의 자연을 배경으로 한 우화의 전통에만 훈련을 국한시키지 않았습니다. 그의 노트에는 북부 현실주의의 영향을 보여주는 나무 줄기, 바위, 식물의 정확한 렌더링이 나와 있습니다. 그의 경력 전반에 걸쳐 Corot은 자신의 작업에 두 전통을 모두 적용하고 때로는 두 전통을 결합하려는 경향을 보여주었습니다.
부모의 지원으로 코로는 이탈리아 르네상스의 거장들을 연구하고 고대 로마의 무너져가는 기념물을 그리기 위해 이탈리아로 간 프랑스 화가들의 확고한 패턴을 따랐습니다. 1825년부터 1828년까지 코로의 이탈리아 체류는 매우 형성적이고 생산적인 기간이었고, 이 기간 동안 그는 200점이 넘는 드로잉과 150점 이상의 회화를 완성했습니다.
첫 번째 이탈리아 방문과 두 번째 이탈리아 방문 이후 6년 동안 코로는 살롱전에서 선보일 큰 풍경화를 준비하는 데 집중 했습니다 . 그의 살롱 그림 중 일부는 신고전주의 원칙과 일치하는 상상적이고 형식적인 요소를 추가하여 스튜디오에서 재작업된 이탈리아 유화 스케치를 각색한 것입니다. 이에 대한 예는 그의 첫 번째 살롱 출품작인 View at Narni (1827)로, 그곳에서 그는 먼지 투성이의 밝은 태양 아래서 로마 수로 폐허를 신속하고 자연스럽게 연구하여 그것을 거인과 함께 목가적인 목가적 배경으로 변형시켰습니다. 그늘진 나무와 푸른 잔디밭은 신고전주의 배심원들의 관심을 끌기 위한 전환이었습니다. 많은 비평가 들은 비록 연구용으로 의도되었음에도 불구하고 그의 야외 이탈리아 그림이 "인상주의의 균", 자연광에 대한 충실성, 학문적 가치를 회피하는 점에서 높이 평가했습니다. 수십 년 후, 인상주의는 유사한 접근 방식을 취함으로써 예술에 혁명을 일으켰습니다.
1829년 봄, 코로는 퐁텐블로 숲 에서 그림을 그리기 위해 바르비종 으로 왔습니다 . 그는 1822년 샤이의 숲에서 처음으로 그림을 그렸습니다. 1830년 가을과 1831년 여름에 바르비종으로 돌아와 그곳에서 드로잉과 유화 연구를 했으며, 이를 바탕으로 1830년 살롱에 출품할 그림을 그렸습니다. 그의 퐁텐블로 숲의 풍경 (현재 워싱턴 내셔널 갤러리에 있음)과 1831년 살롱을 위한 또 다른 퐁텐블로 숲의 풍경 . 그곳에서 그는 바르비종파 의 회원들을 만났습니다 . Théodore Rousseau , Paul Huet , Constant Troyon , Jean-François Millet 및 젊은 Charles-François Daubigny . 코로는 1831년과 1833년 살롱에서 한 장의 초상화와 여러 풍경화를 전시했습니다. 살롱에서 비평가들의 반응은 냉담했고 코로는 신고전주의적 주제로 그들을 만족시키지 못한 채 이탈리아로 돌아오기로 결정했습니다.
두 번의 이탈리아 왕복 여행 동안 그는 이탈리아 북부, 베니스, 그리고 다시 로마 시골을 방문했습니다. 1835년 코로는 사라의 여종인 하갈과 천사의 구원을 받을 때까지 사막에서 목말라 죽어가는 아이 이스마엘을 묘사한 성경 그림 Agar dans le Desert (광야의 하갈) 로 살롱에서 센세이션을 일으켰습니다. 이번에 코로의 신고전주의적 이상에 대한 예상치 못한 대담하고 신선한 진술은 "화가가 그 안에서 묘사하기로 선택한 배경과 열정 또는 고통 사이의 조화"를 보여줌으로써 비평가들의 성공을 거두었습니다. 그는 다른 성서적, 신화적 주제를 따랐지만 살롱 비평가들은 푸생과 비교할 때 그가 부족하다는 것을 알았기 때문에 그 그림도 성공하지 못했습니다. 1837 년에 그는 현존하는 최초의 누드 <센강의 요정> 을 그렸습니다 . 나중에 그는 학생들에게 "알다시피 누드에 대한 연구는 풍경화가가 가질 수 있는 최고의 교훈이다. 어떤 트릭도 없이 인물을 그리는 방법을 안다면 풍경을 만들 수 있다. 그렇지 않으면 그는 결코 그것을 할 수 없습니다."
1845년 보들레르는 코로를 "현대 풍경화 학파"의 리더로 선포하는 운동을 주도했습니다. 일부 비평가들은 코로의 색상이 "창백하다"고 그의 작품이 "순진한 어색함"을 가지고 있다고 평가한 반면, 보들레르는 "M. 코로는 색채주의자라기보다 조화주의자에 더 가깝고 항상 현학적인 태도가 전혀 없는 그의 작품은 매혹적이다"고 기민하게 반응했다. 색상의 단순함 때문입니다." 1846 년 프랑스 정부는 그에게 레지옹 도뇌르 (Légion d'honneur) 십자훈장을 수여했고 , 1848년에는 살롱전에서 2등급 메달을 받았지만 그 결과 국가의 후원을 거의 받지 못했습니다. 그의 유일한 의뢰 작품 은 1847년에 르네상스 거장들의 방식으로 그려진 세례 예배당을 위한 종교화였습니다. 기관에서는 계속 주저했지만 다른 화가들은 코로의 성장하는 위상을 인정했습니다. 1847년 들라크루아는 자신의 일지에 다음과 같이 기록했습니다. "코로는 진정한 예술가입니다. 화가의 가치를 알아보려면 자신이 있는 곳에서 화가를 만나야 합니다... 코로는 주제에 대해 깊이 탐구합니다. 아이디어가 그에게 떠오르면 그는 다음과 같이 덧붙입니다. 일하는 동안에는 이것이 올바른 접근 방식입니다." Delacroix의 추천 에 따라 화가 Constant Dutilleux는 Corot 그림을 구입하고 예술가와 길고 보람있는 관계를 시작하여 우정과 후원자를 얻었습니다. 코로의 대중 대우는 1848년 혁명 이후 그가 살롱 심사위원으로 인정받은 이후 극적으로 개선되었습니다. 그는 1867년 살롱 임원으로 승진했습니다.
1850년대 중반에 이르러 코로의 점점 더 인상주의적인 스타일이 인정을 받기 시작하여 프랑스 미술에서 그의 입지를 확고히 했습니다. 1860년대에도 코로는 여전히 농민 인물과 신화적 인물을 혼합하고 신고전주의와 사실주의를 혼합했으며, 한 비평가는 "만약 M. 코로가 그의 숲의 님프를 완전히 죽이고 그들을 농민으로 대체한다면 나는 그 사람을 엄청나게 좋아할 텐데." 실제로, 그의 인생 후반기 에 인간의 모습은 증가하고 님프는 감소했지만, 인간의 모습조차도 종종 목가적인 몽상에 빠져 있었습니다.
말년에 코로의 작업실은 스승의 관용적인 눈 밑을 오가는 학생, 모델, 친구, 수집가, 상인들로 가득 차 있었고, 그로 인해 그는 "내 주위에 왜 열 사람이 있는데, 너희 중 누구도 내 파이프에 불을 다시 붙일 생각은 없어." 딜러 들은 그의 작품을 사들였고 그의 가격은 종종 그림 당 4,000프랑을 넘었습니다. 성공이 보장되자 코로는 자신의 돈과 시간을 아낌없이 바쳤습니다. 그는 예술가 공동체의 장로가 되었고 그의 영향력을 사용하여 다른 예술가들에게 의뢰를 받았습니다. 1871년에 그는 프로이센군의 포위 공격을 받고 있는 파리의 가난한 사람들을 위해 2,000파운드를 기부했습니다. (참조: 프랑스-프로이센 전쟁 ) 실제 파리 코뮌 기간 동안 그는 Alfred Robaut와 함께 Arras 에 있었습니다. 1872년에 그는 당시 시각 장애인이고 자원도 없고 노숙자였던 Honoré Daumier 를 위한 선물로 오베르 에 있는 집을 구입했습니다 . 1875년에 그는 밀레 의 미망인에게 자녀를 지원하기 위해 10,000프랑을 기부했습니다. 그의 자선은 거의 속담에 가까웠다. 그는 또한 파리의 vandrezanne 거리에 있는 어린이를 위한 주간 센터의 유지를 재정적으로 지원했습니다. 말년에 그는 겸손하고 겸허한 사람으로 남아 정치적인 생각을 하지 않고 인생의 행운에 만족했으며, "이 지역이나 저 지역을 제국에 추가하는 황제이건, 명성을 얻은 화가."
예술가, 수집가, 관대한 비평가들 사이에서 큰 성공과 찬사를 받았음에도 불구하고 그의 많은 친구들은 그가 공식적으로 무시당했다고 여겼고, 그가 죽기 직전인 1874년에 그에게 금메달을 수여했습니다. 그는 78세의 나이에 위장 장애로 파리에서 사망했으며 페르 라셰즈 묘지 에 묻혔습니다 .
코로는 풍경화의 중추적인 인물입니다. 그의 작품은 신고전주의 전통을 언급하는 동시에 인상주의 의 야외 혁신을 기대합니다 . 그에 대해 클로드 모네는 1897년에 이렇게 외쳤습니다. "여기에는 오직 한 명의 주인, 코로가 있습니다. 우리는 그 사람에 비하면 아무 것도 아닙니다. 아무것도 아닙니다." 인물화 에 대한 그의 공헌 은 그다지 중요하지 않습니다. 드가는 풍경화 보다 인물화를 선호했고 , 피카소 의 고전적 인물화는 코로의 영향에 노골적인 경의를 표했습니다.
5. William Christian Symons
윌리엄 크리스티안 시몬스 (William Christian Symons, 1845년 11월 28일 – 1911년)는 영국의 장식 디자이너이자 유화와 수채화 화가였습니다.
Symons는 그의 아내 Elizabeth White에 의해 William Martyn Symons의 장남이었습니다. 원래 콘월 주 세인트 콜럼의 Trerice 출신인 그의 아버지는 Vauxhall 의 Bridge Street에서 인쇄 사업을 했으며, 그곳에서 그의 둘째 자녀인 Christian이 1845년 11월 28일에 태어났습니다. 다른 아들 한 명과 딸 두 명이 있었습니다. Symons는 어릴때부터 Lambeth Art School에 입학할 때까지 Penzance 의 사립 학교에서 교육을 받았으며 그 후 영향력 있는 교육학자인 John Charles Lewis Sparkes 의 지도를 받았습니다 .
1866년에 그는 잠시 동안 학생으로 왕립 아카데미에 입학하여 그해 골동품 학교에서 은메달을 받았습니다. 1869년 처음으로 그의 작품 중 하나(그의 여동생의 초상화)가 아카데미 전시회에 걸렸고, 그는 사망할 때까지 간헐적으로 기고했으며, 이때 '다운사이드 수도원 내부'로 대표되었습니다. 그의 이젤 사진은 New English Art Club, Institute of Painters in Oil 및 기타 여러 갤러리에도 전시되었습니다. 1870년에 그는 로마 카톨릭 교회에 입회했으며 Lavers, Barraud 및 Westlake 회사와 오랜 관계를 시작하여 여러 스테인드 창문을 디자인했습니다.
Symons는 1881년에 영국 왕립 예술가 협회 의 회원이 되었지만 1888년에 James McNeill Whistler 와 탈퇴했습니다 . 그는 5월 1일 휘슬러를 기리기 위해 조직된 유명한 만찬의 비서로 활동한 1899년에야 개인적으로 대중 앞에 나타났습니다. . 1899년에 그는 웨스트민스터 대성당 의 특정 모자이크 장식에 대한 의뢰를 시작했으며, 이 작품은 1912년 구필 갤러리 에서 그의 그림과 수채화가 사후에 전시될 때까지 주로 알려졌습니다. 그는 한동안 콘월의 뉴린 에서 일했습니다. , 그리고 그 지역과 관련된 학교의 회원은 아니었지만 그는 1890년 4월에 The Art Journal 에 이에 대한 설명을 기고했습니다 . 말년에 그는 거의 전적으로 Sussex에서 살았습니다. 그는 1911년 9월 4일 라이 근처의 유디모어(Udimore )에서 사망했으며, 그곳에 묻혔습니다 .
그는 1885년 Hampstead에서 더비 Wildemlow의 JL Davenport의 딸인 Cecilia와 결혼했습니다. 그는 9명의 자녀를 남겼습니다. 초상화와 주제 작품을 그린 화가인 장남 마크 랜슬롯(1887~1935)은 가끔 뉴 잉글리쉬 아트 클럽(New English Art Club)에 전시되었습니다. 그의 둘째 아들 Philip은 Downside Abbey 의 Dom Thomas Symons ARCO(1887–1975)가 되었고 나중에는 Worth Abbey 의 일원이 되어 그곳에 묻혔습니다.
웨스트민스터 대성당에 있는 그의 모자이크 작품은 '성 베드로 대성당'의 제단 조각인 '성령의 예배당'으로 구성되어 있습니다. 지하실에 있는 에드먼드의 축복 런던', 성심 예배당에 있는 '베로니카' 패널, 북쪽 익랑에 있는 '축복받은 잔다르크' 패널. Bentley의 지시에 따라 이들 중 일부에 사용된 불쾌한 기술( opus sectile )은 훌륭한 디자인과 용감한 색상을 거의 정의하지 못했습니다. 그들은 모자이크라는 매체가 적합하지 않은 회화적 환상을 지나치게 강조했다는 비판을 받아왔습니다. 이러한 결함은 아마도 모자이크 장식의 기능에 대한 모든 현대 교회 당국의 일반적인 오해 때문이었을 것입니다.
예술가의 능력에 대한 또 다른 특징적인 예는 Bishopsgate의 St. Botolph 's 의 스팬드럴에서 볼 수 있습니다 . 그의 최고의 유화 사진 중 하나인 'The Convalescent Connoisseur'는 Dublin Municipal Gallery of Modern Art 에 있습니다 . 셰필드의 Mappin Art Gallery 에는 'In Hora Mortis'와 'Home from the War'가 있고 'The Squaw'는 현대 미술 협회에 속합니다. 대영 박물관, 맨체스터 시티 미술관, 브라이튼 미술관에는 그의 수채화의 특징적인 사례가 있습니다. 그의 꽃 조각은 특히 탁월합니다. Hampstead의 Le Brasseur 씨는 그의 그림 중 가장 큰 컬렉션을 보유하고 있습니다. Symons는 분명히 Sargent와 Brabazon의 영향을 받았지만 자신의 개성을 유지했습니다.
6. Joseph Mallord William Turner
Joseph Mallord William Turner (1775년 4월 23일 – 1851년 12월 19일)는 당시 William Turner 로 알려져 있었으며 영국의 낭만주의 화가, 판화 제작자 및 수채화가 였습니다. 그는 표현력이 풍부한 색채, 상상력이 풍부한 풍경 , 격동적이고 종종 폭력적인 해양 그림 으로 유명합니다 . 그는 유화 550점, 수채화 2,000점, 종이에 30,000점 이상의 작품을 남겼습니다. 그는 1840년부터 영국의 선도적인 미술 평론가 인 존 러스킨 의 옹호를 받았으며 , 오늘날 풍경화를 역사화에 필적하는 탁월한 인물로 격상시킨 것으로 간주됩니다.
터너는 런던 코벤트 가든의 메이든 레인에서 태어났습니다. 신동이었던 터너는 1789년부터 왕립 예술 아카데미에 14세에 입학했고 15세에 그곳에서 첫 작품을 전시했습니다. 그는 1804년에 자신의 갤러리를 열었고 1807년에 아카데미에서 원근법 교수가 되어 1828년까지 강의했습니다. 그는 1802년부터 유럽을 여행했으며 늘 방대한 스케치북을 가지고 돌아왔습니다.
극도로 사적이고, 괴짜이고, 은둔적인 터너는 그의 경력 전반에 걸쳐 논란의 여지가 있는 인물이었습니다. 그는 결혼하지 않았지만 미망인 Sarah Danby 사이에서 Evelina (1801–1874)와 Georgiana (1811–1843)라는 두 딸의 아버지가되었습니다. 그는 나이가 들수록, 특히 1829년 아버지가 사망한 이후에는 더욱 비관적이고 침울해졌습니다. 그의 전망이 악화되자 그의 갤러리는 파손되고 방치되었으며 그의 예술은 더욱 강화되었습니다. 1841년 터너는 그해의 인구 조사 에서 어떤 부동산에도 존재하는 것으로 간주되지 않도록 배를 저어 템즈 강 으로 들어갔습니다 . [3] 그는 1845년부터 불결하고 건강이 좋지 않은 생활을 하다가 1851년 런던에서 76세의 나이로 사망했습니다. 터너는 런던의 세인트 폴 대성당 에 묻혀 있습니다.
Turner의 아버지 William Turner (1745–1829)는 1770년경 Devon의 South Molton에서 런던으로 이주했습니다.
조셉 말로드 윌리엄 터너(Joseph Mallord William Turner)는 1775년 4월 23일에 태어나 5월 14일에 세례를 받았습니다. 그는 영국 런던 코벤트 가든의 메이든 레인 에서 태어났습니다 . 그의 아버지는 이발사와 가발 제작자였습니다. 그의 어머니 메리 마샬(Mary Marshall)은 정육점 가문 출신이었습니다. 여동생 메리 앤(Mary Ann)은 1778년 9월에 태어났으나 1783년 8월에 사망했다.
터너의 어머니는 1785년부터 정신 장애의 징후를 보였으며 1799년 올드 스트리트에 있는 세인트 루크 정신병자 병원에 입원했습니다 . 그녀는 1800년에 정신 병원인 베들렘 병원 으로 옮겨졌고 , 그곳에서 1804년에 사망했습니다. 터너 터너가 학교를 다녔던 런던 서쪽 템스강 유역의 작은 마을인 브렌트포드 에서 정육점 주인 이었던 그의 외삼촌 조셉 말로드 윌리엄 마샬(Joseph Mallord William Marshall)에게 보내졌습니다 . Turner의 알려진 최초의 예술적 활동은 이 시기의 것입니다. Henry Boswell의 Picturesque View of the Antiquities of England and Wales의 새겨진 판에 대한 일련의 간단한 채색 작업입니다.
1786년경 터너는 켄트 (Kent) 해안 북동쪽의 마게이트(Margate) 로 파견되었습니다 . 그곳에서 그는 그의 후기 작품을 예고하는 도시와 주변 지역의 일련의 그림을 제작했습니다. 이 무렵 터너의 그림은 아버지의 상점 진열장에 전시되어 몇 실링 에 팔렸습니다 . 그의 아버지 는 예술가 Thomas Stothard 에게 "내 아들은 화가가 될 것입니다"라고 자랑했습니다. 1789 년에 Turner는 Sunningwell (현재 Oxfordshire 의 일부 ) 로 은퇴한 삼촌과 다시 함께 지냈습니다 . 이 시기 버크셔에서 작업한 전체 스케치북 과 옥스퍼드 의 수채화가 남아 있습니다 . 나중에 완성된 그림의 기초로서 현장에서 연필 스케치를 사용하는 것은 Turner의 전체 경력에 있어 필수적인 작업 스타일의 기초를 형성했습니다.
Turner의 많은 초기 스케치는 건축 연구 또는 관점 에서의 연습이었으며 , 젊은 시절 Thomas Hardwick , James Wyatt 및 Joseph Bonomi the Elder 를 포함한 여러 건축가를 위해 일한 것으로 알려져 있습니다. 1789 년 말까지 그는 런던 풍경을 전문으로 하는 지형 초안가 Thomas Malton 밑에서 공부하기 시작했습니다. Turner는 그에게서 무역의 기본 요령, 영국 성과 수도원의 윤곽선 인쇄를 복사하고 채색하는 방법을 배웠습니다. 그는 나중에 Malton을 "나의 진짜 주인"이라고 부를 것입니다. 지형학 은 젊은 예술가가 학비를 지불할 수 있는 번성하는 산업이었습니다.
터너는 1789년 14세의 나이로 왕립 미술 아카데미에 입학했고 , 1 년 후 조슈아 레이놀즈 경 에 의해 아카데미에 입학했습니다 . 그는 건축에 초기 관심을 보였지만 Hardwick의 조언을 받아 그림에 집중했습니다. 그의 첫 번째 수채화인 A View of the Archbishop's Palace, Lambeth는 터너가 15세였던 1790년 왕립 아카데미 여름 전시회 에 출품되었습니다 .
1793 년에 그는 The Rising Squall – Hot Wells from St Vincent's Rock Bristol (지금은 분실됨) 이라는 제목의 수채화를 선보였는데 , 이는 그의 후기 기후 영향을 예고했습니다.
1796년에 전시된 바다의 어부(Fishermen at Sea) 는 터너가 왕립 아카데미에 전시한 최초의 유화입니다.
1796년 터너는 아카데미를 위한 그의 첫 유화인 바다의 어부(Fishermen at Sea) 를 전시했는데, 이는 위험에 처한 보트의 이미지인 와이트 섬 의 바늘(Needles )의 밤 달빛 장면입니다. Wilton 은 이 이미지가 "18세기 예술가들이 바다에 대해 말한 모든 내용을 요약한 것"이라고 말했습니다. 달빛 해양 그림 으로 존경받았던 Claude Joseph Vernet , Philip James de Loutherbourg , Peter Monamy , Francis Swaine 등의 예술가들로부터 강한 영향력을 보여줍니다 . 이 이미지는 현대 비평가들로부터 칭찬을 받았으며 유화 화가이자 해양 장면 화가로서 Turner의 명성을 쌓았습니다.
터너는 1802년 프랑스와 스위스를 시작으로 유럽 전역을 여행했고 같은 해 파리 루브르 박물관 에서 공부했습니다. 그는 베니스를 여러 번 방문했습니다 . 그의 작업에 대한 중요한 지원은 예술가의 절친한 친구가 된 요크셔의 Otley 근처 Farnley Hall 의 Walter Ramsden Fawkes 로부터 나왔습니다 . Turner는 1797년 22세의 나이로 지역의 수채화를 그려달라는 의뢰를 받았을 때 처음으로 Otley를 방문했습니다. 그는 Otley와 주변 지역에 너무 매료되어 경력 전반에 걸쳐 그곳으로 돌아왔습니다. Hannibal Crossing The Alps 의 폭풍우가 치는 배경은 그가 Farnley Hall에 머무르는 동안 Otley의 Chevin 에 대한 폭풍에서 영감을 얻은 것으로 알려져 있습니다 .
Turner는 West Sussex의 Petworth House 에서 George Wyndham, 3rd Earl of Egremont 의 빈번한 손님이었으며 Chichester Canal 의 전망을 포함하여 Egremont가 집 부지와 Sussex 시골에서 가져온 장면을 그렸습니다. Petworth House에는 여전히 많은 그림이 전시되어 있습니다.
Turner는 예술가 Edward Thomas Daniell 과 짧지만 강렬한 우정을 쌓았습니다 . 화가 데이비드 로버츠(David Roberts) 는 그에 대해 다음과 같이 썼습니다. "그는 나와 다른 사람들이 의심했을 때 터너를 사랑했고, 그의 아름다움을 다른 사람들의 아름다움과 구별하는 방법을 나에게 가르쳤습니다. 그 노인은 이 젊은이를 정말 좋아하고 개인적으로 존경했습니다. 나는 그가 다른 사람에게 그것을 입증한 적이 있는지 의심스럽습니다." Daniell 은 Turner에게 아버지와 친구들의 죽음 이후에 필요한 영적 위안을 제공하고 "노년기에 접어드는 자연스럽게 반성하는 사람의 두려움을 완화"하기 위해 제공했을 수 있습니다. Daniell 은 38세의 나이로 Lycia 에서 사망한 후 Roberts에게 다시는 그러한 우정을 쌓지 않을 것이라고 말했습니다.
Turner는 1851년 12월 19일 Chelsea의 Cheyne Walk 에 있는 Sophia Caroline Booth의 집에서 콜레라 로 사망했습니다.
Turner의 재능은 그의 생애 초기에 인정되었습니다. 재정적 독립으로 인해 Turner는 자유롭게 혁신할 수 있었습니다. 그의 성숙한 작품은 유채색 팔레트와 광범위하게 적용되는 분위기 있는 페인트가 특징입니다. David Piper의 The Illustrated History of Art 에 따르면 , 그의 후기 그림은 "환상적인 퍼즐"이라고 불렸습니다. Turner는 예술적 천재로 인정 받았습니다. 영국 미술 평론가 존 러스킨(John Ruskin) 은 그를 "자연의 분위기를 가장 감동적이고 진실되게 측정할 수 있는" 예술가로 묘사했습니다.
Tintern Abbey (1795) 와 같은 그의 초기 작품은 영국 풍경화의 전통을 충실히 따르고 있습니다. Hannibal Crossing the Alps (1812) 에서는 자연의 파괴적인 힘이 이미 강조되었습니다. 유성 물감과 수채화 기법을 사용하는 그의 독특한 그림 스타일은 가벼움, 유창함, 일시적인 분위기 효과를 만들어 냈습니다.
Turner의 말년에는 오일을 더욱 투명하게 사용했으며 반짝이는 색상을 사용하여 거의 순수한 빛을 불러일으켰습니다. 그의 성숙한 스타일의 대표적인 예는 물체를 거의 알아볼 수 없는 Rain, Steam and Speed – The Great Western Railway 에서 볼 수 있습니다. 색상의 강렬함과 사라지는 빛에 대한 관심은 터너의 작품을 영국 회화의 선두에 두었을 뿐만 아니라 프랑스 미술에도 영향을 미쳤습니다. 인상파 , 특히 클로드 모네(Claude Monet)는 그의 기법을 주의 깊게 연구했습니다. 그는 또한 일반적으로 추상회화의 선구자로 여겨진다.